Te invitamos a ser parte de la construcción
de una gran obra de arte colectiva, inspirada en la técnica del collage.
Para participar deberás traer un objeto en desuso a partir del día 01 de
Septiembre hasta el día 07 del Noviembre Sala Norte, ubicada en las
terrazas de Mall Plaza Norte.
El 14 de Noviembre, los artistas Pablo Langlois y Carlos Montes de Oca
realizarán una obra con todos los objetos recolectados.
Se invitará al público y visitantes del Mall a participar.
¡Los esperamos!
martes, septiembre 15, 2009
Collage Colectivo
Los invitamos a pasar una tarde entretenida junto a sus hijos todos
los días Domingo desde Septiembre hasta fin de año.
Tendremos 16 talleres distintos,
lo único que tienes que hacer es elegir a cuál o a cuáles talleres vendrás,
inscribirte y asistir.
Las clases son todos los días domingo de 16:00 a 18:00 horas en
la Sala Norte del Museo Nacional de Bellas Artes,
ubicada en el sector terrazas de Mall Plaza Norte.
Puedes inscribirte por teléfono o directamente en nuestra Sala.
No tiene costo de inscripción, pero debes traer los materiales para cada clase.
Los talleres están dirigidos a niños de 7 a 13 años.
¡No dejes de venir!
Intervención y Reciclaje de Objetos en Sala Norte
Dentro de la temporada de talleres impartidos por Sala Norte MNBA este
semestre, se llevará a cabo el taller de "Intervención y Reciclaje de
Objetos", donde se trabajará con objetos que muchos consideran "basura",
para ser transformados en algo nuevamente útil.
Durante 13 sesiones se desarrollarán técnicas como el esténcil, collage,
pintura, que se aplicarán sobre soportes como cajas, contenedores
(botellas, maletas, carteras), loncheras, gorras y poleras, muebles,
dentro de otros.
Las clases se incian el Jueves 24 de Septiembre y el horario es de 17:30 a
19:00 horas.
Se impartiran de manera gratuita, pero los materiales deben ser traídos
por los alumnos. Los cupos son limitados y sujetos a inscripción.
¡Los esperamos!
semestre, se llevará a cabo el taller de "Intervención y Reciclaje de
Objetos", donde se trabajará con objetos que muchos consideran "basura",
para ser transformados en algo nuevamente útil.
Durante 13 sesiones se desarrollarán técnicas como el esténcil, collage,
pintura, que se aplicarán sobre soportes como cajas, contenedores
(botellas, maletas, carteras), loncheras, gorras y poleras, muebles,
dentro de otros.
Las clases se incian el Jueves 24 de Septiembre y el horario es de 17:30 a
19:00 horas.
Se impartiran de manera gratuita, pero los materiales deben ser traídos
por los alumnos. Los cupos son limitados y sujetos a inscripción.
¡Los esperamos!
viernes, julio 10, 2009
miércoles, junio 17, 2009
Colección Pintura Española
Colección Pintura Española
Museo Nacional de Bellas Artes
Junio- Julio 2009
Sala Norte
Mall Plaza Norte, Av. Américo Vespucio Norte 1737. Local exterior 3.
Huechuraba. Santiago-Chile.
www.mnba.cl-saladearte.plazanorte@mnba.cl
A partir de su fundación en el año 1880 el Museo Nacional de Bellas Artes se ha encargado de adquirir una amplia colección de arte, dentro de la cual la colección de Pintura Española cumple un rol fundamental.
Con motivo del primer Centenario de la independencia de Chile en 1910, se inauguró el edificio que actualmente ocupa el museo al frente del Parque Forestal de Santiago. Junto con la inauguración de este espacio, se organizó una gran exposición internacional de pinturas, esculturas y artes aplicadas a la industria.
Se estableció que el Gobierno, previo acuerdo del Consejo de Bellas Artes, adquiriría las obras que estimare conveniente para el museo. Fue así como varias obras de artistas españoles fueron compradas por el Estado durante esa exposición internacional; otras llegaron por donaciones o legados efectuados por familias de la clase alta chilena con posterioridad a 1910.
La selección que se exhibe en esta Sala, forma parte de las pinturas que itineraron por España entre los años 1999 y 2000. Después de su periplo por la Península recorriendo diez ciudades: Valencia, Salamanca, Zaragoza, Logroño, Alcalá de Henares, Gijón, Cáceres, Sevilla, Madrid y Málaga, regresaron al Museo con importante documentación que ha permitido su reactivación expositiva y su completa catalogación.
sábado, mayo 02, 2009
Taller de Confección de Juguetes. Sala Norte MNBA.
Con el objetivo de hacer del fin de semana un tiempo de sana entretenciónpara los más pequeños, en la Sala Norte del Museo Nacional de BellasArtes, inauguramos un nuevo taller los días Domingos. Éste estará dedicado a la "Confección de Jugetes" .
Las clases comenzarán el Domingo 17 de Mayo y se desarrollarán desde las 16:00 hasta las 18:00 horas.
Este taller pretende despertar inquietudes plásticas incipientes en los niños como; resolver problemas simples relacionados con la tridimensión; conocer y aplicar los colores; y, desarrollar habilidades plásticas y manuales, a través de una actividad entretenida y creativa como lo es la confección de juguetes.
Para consultar el programa y realizar las inscripciones llamen al teléfono: 56-2-7212105 Las inscripciones permanecerán abiertas hasta completar todos los cupos (limitados)
jueves, abril 23, 2009
Talleres de Dibujo e Ilustración para Niños y Jóvenes
En el mes de Mayo inauguramos dos nuevos talleres en la Sala Mall Plaza
Norte del Museo Nacional de Bellas Artes.
El primer taller indagará en el lenguaje de la imagen como medio de
expresión y comunicación a través de la ILUSRTRACIÓN. Está dirigido a
niños entre seis y doce años y comienza el día viernes 8 de Mayo a partir
de las 17:30 hasta las 19:00 hrs.
El segundo taller se centrará en “aprender a mirar” por medio de distintas
técnicas del DIBUJO, se inicia el martes 12 de Mayo y está dirigido a
personas de 14 a 30 años.
Para inscripciones y más información porfavor llamar al teléfono de la Sala: 56-2-7212105
Se acabaron los cupos del taller de Dibujo!!
lunes, marzo 30, 2009
Talleres primer semestre 2009
A partir de este año los talleres serán planteados a modo de bloques trimestrales y anuales, para que así sigan una coherencia de contenido a lo largo del desarrollo del año.
De este modo se ofrece al público el taller anual de “Pintura al Oleo” y el taller trimestral de “Pintura al Temple”.
Los talleres tendrán como fecha de inicio el martes 14 de abril. Las inscripciones están abiertas desde los primeros días de abril. Los cupos son limitados.
Para inscripciones y listado de los materiales contactarse con nosotros, al: 7212105 O bien al e mail: saladearte.plazanorte@mnba.cl
Descripción de los talleres:
• Taller de Pintura al Óleo: La pintura artística se basa en la búsqueda personal de un mensaje visual, a partir de las técnicas elementales de la pintura como lo son la composición, el equilibrio, ritmo, forma, color y valor.
Objetivo del taller: Que los alumnos aprendan la técnica básica de la pintura al óleo, teoría del color, dibujo básico y composición. En la última etapa del taller cada alumno realizará una creación propia, donde podrá desarrollar de la mejor forma posible su proyecto, teniendo todas las herramientas para convertir su idea en una gran obra.
Dirigido: Jóvenes y adultos.
Capacidad: Máximo 12 personas.
Duración: Martes 14 de Abril a Martes 8 de Diciembre.
Horario: 17:00 a 19:00 hrs
•Taller de Pintura al Temple: Siendo una de la técnicas más antiguas de pintura, obtiene su máxima vigencia en el Renacimiento Europeo, siglos XV y XVI, en la pintura al temple el disolvente es el agua, además está el pigmento y el aglutinante que puede ser algún tipo de grasa animal u otras materias orgánicas como el huevo, el cual tiene la capacidad de "congelar" los pigmentos.
Objetivo: Generar el aprendizaje básico de esta técnica, desde la realización del soporte hasta el sellado final de la obra.
Se seguirán los siguientes pasos:
•Realización del Soporte
•Creación de pinturas (solvente, aglutinante y pigmento)
•Dibujo Básico
•Técnicas de pintura
•Sellado
Dirigido: Jóvenes y adultos.
Duración. Desde el Jueves 16 de Abril al Jueves 25 de Junio.
Horario. De 17:00 a 19:00 horas.
Capacidad. 10 personas máximo.
miércoles, marzo 25, 2009
LOS GENEROS EN LA PINTURA
►SALA DE ARTE MALL DEL NORTE
22 de marzo/17 de mayo
■Artistas: AGUSTÍN ABARCA; JORGE CABALLERO; THOMAS SOMERSCALES; LUIS STROZZI; ENRIQUE SWINBURN; EMILIO ALDUNATE; ENRIQUE SWINBURN; JOSÉ CARACCI; JERÓNIMO COSTA; MAGDALENA MIRA; BENITO REBOLLEDO; ABRAHAM ZAÑARTU; MANUEL THOMSON; JOSÉ MERCEDES ORTEGA; PEDRO RESZKA; PABLO BURCHARD.
••LOS GÉNEROS EN LA PINTURA tienen su inicio durante el siglo XVII en Holanda, donde la concepción teológica protestante permitió el surgimiento de una particular mirada sobre lo cotidiano que modifico definitivamente las temáticas abordadas por los artistas. Desde ese momento, el arte se ha preocupado por la mediación entre realidad y vida, dando a conocer parte de las costumbres, hábitos y aspectos de la existencia diaria.
Esta muestra da a conocer artistas chilenos que incursionan distintos géneros, como la admiración por la naturaleza en el paisaje, las escenas urbanas y marinas. También es posible apreciar la pintura de taller, especialmente el retrato y autorretrato, con énfasis en el carácter descriptivo y el estudio académico, considerando los rasgos del carácter y personalidad de los personajes. Finalmente, la naturaleza muerta, un género característico encargado de representar lo banal, las cosas y objetos de uso cotidiano, donde se demuestra la fascinación por las formas que nos rodean, pintura que se afirma especialmente en el detalle y la fijación de la mirada.
22 de marzo/17 de mayo
■Artistas: AGUSTÍN ABARCA; JORGE CABALLERO; THOMAS SOMERSCALES; LUIS STROZZI; ENRIQUE SWINBURN; EMILIO ALDUNATE; ENRIQUE SWINBURN; JOSÉ CARACCI; JERÓNIMO COSTA; MAGDALENA MIRA; BENITO REBOLLEDO; ABRAHAM ZAÑARTU; MANUEL THOMSON; JOSÉ MERCEDES ORTEGA; PEDRO RESZKA; PABLO BURCHARD.
••LOS GÉNEROS EN LA PINTURA tienen su inicio durante el siglo XVII en Holanda, donde la concepción teológica protestante permitió el surgimiento de una particular mirada sobre lo cotidiano que modifico definitivamente las temáticas abordadas por los artistas. Desde ese momento, el arte se ha preocupado por la mediación entre realidad y vida, dando a conocer parte de las costumbres, hábitos y aspectos de la existencia diaria.
Esta muestra da a conocer artistas chilenos que incursionan distintos géneros, como la admiración por la naturaleza en el paisaje, las escenas urbanas y marinas. También es posible apreciar la pintura de taller, especialmente el retrato y autorretrato, con énfasis en el carácter descriptivo y el estudio académico, considerando los rasgos del carácter y personalidad de los personajes. Finalmente, la naturaleza muerta, un género característico encargado de representar lo banal, las cosas y objetos de uso cotidiano, donde se demuestra la fascinación por las formas que nos rodean, pintura que se afirma especialmente en el detalle y la fijación de la mirada.
martes, noviembre 18, 2008
Taller de Navidad
Museo Nacional de Bellas Artes / Sala Mall Plaza Norte
Taller Navidad 2008
Informaciones: 7212105
Objetivo
A partir de materiales simples la familia pueda decorar su casa con sus propios adornos navideños.
Lo más importante es la reutilización de objetos que tenemos en casa, que a veces pensamos que son simplemente basura como: cajas de huevo, caja de fósforos, papeles de regalo, botones o fotografías antiguas
Esto es lo que quiere cambiar este taller, la posibilidad de que padres e hijos en conjunto puedan crear, diseñar y re decorar su navidad con sus propios adornos reciclando algunos materiales que están en casa.
Descripción
Crearemos nuestros propios adornos navideños, ya sea para decorar nuestro árbol o cualquier lugar de nuestra casa.
Generalmente, facilitamos la tarea comprándolos apresuradamente en alguna tienda, esto es precisamente lo que queremos cambiar en la realización del taller. Que puedan disfrutar creando entretenidos objetos que se realizaran con materiales muy simples y fáciles de conseguir.
Dirigido
Niños y jóvenes desde 6 años, con sus padres. ( no pueden venir niños solos)
Miércoles y Sábado
Fecha Inicio MIÉRCOLES 26 DE NOVIEMBRE
Fecha Término SABADO 20 DE DICIEMBRE
HORARIO: De 17:00 a 18:00 hrs
Profesor
Begoña Mata Artista Visual, Licenciada en Artes (t)
lunes, octubre 06, 2008
Caja Negra - 25 años.
EN-CAJA-DURA
Este proyecto se enmarca dentro de la celebración de los 25 años de funcionamiento de CAJA NEGRA ARTES VISUALES, siendo parte de una serie de proyectos expositivos, encuentros, seminarios y publicaciones que se realizarán durante el año 2008.
El proyecto expositivo de Caja Negra – 2008 se compone de tres cuerpos de trabajo:
- cuerpo histórico
- cuerpo de obra
- cuerpo medial
El cuerpo histórico crea un marco referencial donde se fijen los hitos, enclaves y derroteros fundamentales del espacio Caja Negra dentro de un periodo histórico de 25 años. El contexto de su fundación, su desarrollo en la transición y su actual organización en expansión a otros territorios físicos y conceptuales.
Principalmente la circulación de esta información se fija en la creación de un libro que contenga material recopilado desde los años 80, con material visual y textos encargados a diferentes personas que estuvieron y están vinculadas al colectivo. Con un carácter más investigativo, historicista y testimonial, esta propuesta de libro Caja Negra engloba todo un período de congestión política y cultural en Chile, extendiendo sus líneas a un contexto que va mas allá de la iniciativa particular de un espacio alternativo, se instala en una referencialidad contingente de nuestra cultura.
Además cada una de las muestras tendrá a modo de objeto-obra un modulo de transito histórico del espacio Caja Negra.
El cuerpo de obra se constituye por los artistas que configuran el bloque estable del colectivo y una serie de otros artistas de distintas generaciones y nacionalidades que serán convocados a trabajar en las distintas exposiciones.
Se pretende reunir en los tres espacios, cuatro generaciones de producción artística han estado vinculados al desarrollo del colectivo. Este espacio se define bajo una curatoria “clásica” de obra, lo que denominamos objetos nominales, mostrando los trabajos de cada uno de los invitados (instalaciones-pinturas, acciones, videos, grafica, fotografía etc.)
El cuerpo medial habla de un espacio interactivo que viene a representar el funcionamiento interno de Caja Negra, trabajando con el proyecto CUBO, como ícono emblemático de un sub-espacio creado por los mismos artistas del colectivo, cubriendo las necesidades de una lugar expositivo, de un modulo transportable, de un espacio-galería en tránsito donde fundamentalmente se ponen en juego redes de sentido, procesos y experimentos creativos, más que una obra acabada. Lugar laboratorio que permite trabajar una dinámica de interacción, donde los parámetros estéticos y conceptuales, no son determinantes del ejercicio que se realice sino mas bien el valor de la acción misma desarrollada, su expansión y su capacidad medial en términos de reunión, de juntura y de acercamiento de las personas en torno al arte.
Distribución Museal
Estos tres espacios se proyectan en distribución a las tres salas previstas.
En Sala Vespucio se hará una muestra “clásica” compuestas por las obras de cada artista participante, bajo los parámetros curatoriales definidos en el texto del proyecto.
En Sala Norte se plantea instalar dos CUBOS, uno intervenido por los mismos artistas de la primera exposición pero con el pie forzado de trabajar sobre este soporte predeterminado, anular las autorías y pensar en este artefacto como un objeto-laboratorio.
El segundo esta diseñado para ser intervenido y utilizado por el público que transite la exposición, con una serie de mecanismos interactivos que le permitan a la gente crear sus propias propuestas visuales.
Además, se presentarán trabajos alineados en los nuevos medios, videos, animaciones, video-instalaciones, propuestas digitales bidimensionales, etc. Definiendo el carácter de esta segunda sala bajo la idea de laboratorio en proceso, con obras más experimentales, más lúdicas, menos formales en su disposición al espacio. Preponiendo al público entrar en una relación directa con los sistemas de producción y de montaje al interior del colectivo. (Muestra en off)
En Sala Trébol, se plantea como un Objeto Express, una compilación que mixture distintas líneas de información visual, de contenidos, conglomerando espacios interactivos con obras tradicionales, medios y procesos manuales, registros históricos, reposiciones de montajes anteriores, acciones, etc. Buscando mostrar un poco de lo esencial de este colectivo en cuanto a creación, producción y distribución de la obra en el campo visual y escritural.
Marco de referencia político de la muestra:
EN-CAJA-DURA es un proyecto curatorial que se plantea recoger experiencias y procesos de producción estética y teórica alternativos, desarrollados en el Chile de las décadas del ochenta, el noventa y los inicios del dos mil. En dichos períodos históricos, nuestro país ha sufrido una multiplicidad de transformaciones políticas, económicas y culturales que han marcado el tránsito de la dictadura hacia los distintos modelos de democratización.
Dichos modelos, a través de su realización en el tiempo, han tomado una dirección cada vez mas inclinada por políticas que favorecen las estrategias de borradura y las nuevas formas de colonialismo (consecuencia de los procesos de globalización), generando así una imagen cosmético -virtual de Chile, que lo muestra al extranjero como un país prototipo en Latinoamérica, de orden, progreso económico, social y cultural.
Esta coyuntura se ha convertido progresivamente en una red de distribución de los discursos poder, y por ende, han constituido en el Chile de hoy una serie de agenciamientos que han permitido a las diversas instituciones administrar sus capitales estéticos y escriturales. La finalidad es ejercer la "borradura" de todo un conjunto de gestiones culturales autónomas desarrolladas en los ochenta y los noventa; gestiones que, servilmente, se constituyeron para los gobiernos democráticos en un fértil territorio de pruebas para la definición de sus actuales estrategias de planificación y difusión cultural.
Este trabajo realizado con el guante blanco de los ideales de civilidad post dictadura, ha tenido como costo cultural, por una parte, el ocultamiento de un proceso histórico-social altamente productivo (estética y escrituralmente) que, por ser parte de un pasado conflictivo ha sido relegado al olvido y, por otra, la fabricación rápida de una escena vanguardista de producción visual caracterizada por sus inconsistentes lazos con el pasado inmediato que las precede.
Esta instancia de exclusión ha generado nuevamente prácticas de creación que se plantean una relación más crítica con el cuerpo institucional. En la actualidad se han retomado formas de trabajo alternativas, configurando progresivamente un corpus de obra significativo que merece ser conocido en el exterior.
Debido a este contexto problemático de fondo, pensar una Curatoria que, sin tener una pretensión historicista, sí se plantea una revisión crítica del acontecer de las artes visuales contingentes en nuestro país; se constituye en un desafío que nos obliga a evaluar formas de producción visual que sin tener hilos conductores fácilmente reconocibles (debido tanto a su diversidad temática como a sus utilizaciones de lenguaje), construyen una discursividad que refleja de manera más directa la realidad simbólica que nos envuelve.
Planteamiento curatorial:
EN-CAJA-DURA se define como un proyecto curatorial que, si bien está articulado sobre un devenir histórico, no pretende constituirse en una muestra antológica que ilustre pasivamente el contexto social antes mencionado. Su intencionalidad está orientada más hacia la puesta en escena de producciones visuales que desde un borde no institucional y por ende "no historicista", han dado cuenta de un diálogo -extendido en el tiempo- con los diversos cambios de orientación cultural.
Nuestros criterios en la elección de los artistas y sus obras han privilegiado la densidad crítica y la capacidad de reflejar transversalmente la situacionalidad que, a modo de marco de referencia, determina dichas producciones.
Bajo el concepto de producciones alternativas hemos deseado fijar un itinerario simbólico que abarca las décadas del ochenta, del noventa y los inicios del dos mil. Estos períodos se pueden definir a partir de tres momentos: resistencia, transición y globalidad, los cuales, a su vez, se corresponden con tres instancias políticas precisas: fin de la dictadura, ingreso a la inquietud democrática y consolidación de un sistema de libre mercado.
En dichos momentos el devenir estético ha evolucionado desde obras de carácter contestatario (resistencia) hacia trabajos que, sin dejar de tener un potencial critico, orientaron su búsqueda hacia un cuestionamiento radical de los lenguajes visuales (transición) para finalmente, llegar a las producciones actuales surgidas en estrecha relación con los mass-media y con el fenómeno de la información (globalidad), generando así una visualidad marcadamente híbrida y ecléctica.
Las nociones de "resistencia, transición, globalidad" nos han parecido pertinentes, en cuanto definen las diversas formas en que el arte desarrolla un diálogo dialéctico con un contexto social en constante movimiento.
Descripción de las obras:
Las obras elegidas han sido pensadas como una síntesis de las distintas disciplinas y de sus desplazamientos críticos, con el fin de lograr una visión ampliada de nuestra producción visual.
La muestra estará integrada por trabajos de pintura, escultura, video, fotografía, instalaciones y acciones in situ que, aunque se originan a través de matrices genéricas, ponen en escena su quiebre y fractura.
Artistas por sala:
Vespucio:
Juan Castillo – Consuelo Lewin – Ricardo Villarroel – Antonia Cruz
VHB – Mauricio Bravo – Paula Rodríguez – Sebastián Silvat
Eva Maria Celin (Colombia) – Rosell Meseguer (España) – Carlos Osorio – Carlos Montes de Oca – Pablo Adarme (Colombia) – Federico Zukerfeld (Argentina) – Klaudia Kemper – José Tolosa – YISA – Aldo Garrido – Ana Maria Fell – Patricio Voguel
Sala Vespucio Norte:
Proyecto CUBO – Antonia Cruz – Klaudia Kemper
VHB – Gonzalo Rabanal – YISA – José Tolosa – Nicolás Raveau (CUBO)
Sergio Cerón – Arturo Valderas – Guillermo Blamey – Paula Rodríguez
Enrique Flores – Sebastián García Huidobro.
Sala Trébol:
Artistas invitados de Concepción (ANIMITA) Carlos Valle con curatoría para proyecto CUBO – Carlos Montes de Oca – VHB – José Tolosa – Paula Rodríguez.
Este proyecto se enmarca dentro de la celebración de los 25 años de funcionamiento de CAJA NEGRA ARTES VISUALES, siendo parte de una serie de proyectos expositivos, encuentros, seminarios y publicaciones que se realizarán durante el año 2008.
El proyecto expositivo de Caja Negra – 2008 se compone de tres cuerpos de trabajo:
- cuerpo histórico
- cuerpo de obra
- cuerpo medial
El cuerpo histórico crea un marco referencial donde se fijen los hitos, enclaves y derroteros fundamentales del espacio Caja Negra dentro de un periodo histórico de 25 años. El contexto de su fundación, su desarrollo en la transición y su actual organización en expansión a otros territorios físicos y conceptuales.
Principalmente la circulación de esta información se fija en la creación de un libro que contenga material recopilado desde los años 80, con material visual y textos encargados a diferentes personas que estuvieron y están vinculadas al colectivo. Con un carácter más investigativo, historicista y testimonial, esta propuesta de libro Caja Negra engloba todo un período de congestión política y cultural en Chile, extendiendo sus líneas a un contexto que va mas allá de la iniciativa particular de un espacio alternativo, se instala en una referencialidad contingente de nuestra cultura.
Además cada una de las muestras tendrá a modo de objeto-obra un modulo de transito histórico del espacio Caja Negra.
El cuerpo de obra se constituye por los artistas que configuran el bloque estable del colectivo y una serie de otros artistas de distintas generaciones y nacionalidades que serán convocados a trabajar en las distintas exposiciones.
Se pretende reunir en los tres espacios, cuatro generaciones de producción artística han estado vinculados al desarrollo del colectivo. Este espacio se define bajo una curatoria “clásica” de obra, lo que denominamos objetos nominales, mostrando los trabajos de cada uno de los invitados (instalaciones-pinturas, acciones, videos, grafica, fotografía etc.)
El cuerpo medial habla de un espacio interactivo que viene a representar el funcionamiento interno de Caja Negra, trabajando con el proyecto CUBO, como ícono emblemático de un sub-espacio creado por los mismos artistas del colectivo, cubriendo las necesidades de una lugar expositivo, de un modulo transportable, de un espacio-galería en tránsito donde fundamentalmente se ponen en juego redes de sentido, procesos y experimentos creativos, más que una obra acabada. Lugar laboratorio que permite trabajar una dinámica de interacción, donde los parámetros estéticos y conceptuales, no son determinantes del ejercicio que se realice sino mas bien el valor de la acción misma desarrollada, su expansión y su capacidad medial en términos de reunión, de juntura y de acercamiento de las personas en torno al arte.
Distribución Museal
Estos tres espacios se proyectan en distribución a las tres salas previstas.
En Sala Vespucio se hará una muestra “clásica” compuestas por las obras de cada artista participante, bajo los parámetros curatoriales definidos en el texto del proyecto.
En Sala Norte se plantea instalar dos CUBOS, uno intervenido por los mismos artistas de la primera exposición pero con el pie forzado de trabajar sobre este soporte predeterminado, anular las autorías y pensar en este artefacto como un objeto-laboratorio.
El segundo esta diseñado para ser intervenido y utilizado por el público que transite la exposición, con una serie de mecanismos interactivos que le permitan a la gente crear sus propias propuestas visuales.
Además, se presentarán trabajos alineados en los nuevos medios, videos, animaciones, video-instalaciones, propuestas digitales bidimensionales, etc. Definiendo el carácter de esta segunda sala bajo la idea de laboratorio en proceso, con obras más experimentales, más lúdicas, menos formales en su disposición al espacio. Preponiendo al público entrar en una relación directa con los sistemas de producción y de montaje al interior del colectivo. (Muestra en off)
En Sala Trébol, se plantea como un Objeto Express, una compilación que mixture distintas líneas de información visual, de contenidos, conglomerando espacios interactivos con obras tradicionales, medios y procesos manuales, registros históricos, reposiciones de montajes anteriores, acciones, etc. Buscando mostrar un poco de lo esencial de este colectivo en cuanto a creación, producción y distribución de la obra en el campo visual y escritural.
Marco de referencia político de la muestra:
EN-CAJA-DURA es un proyecto curatorial que se plantea recoger experiencias y procesos de producción estética y teórica alternativos, desarrollados en el Chile de las décadas del ochenta, el noventa y los inicios del dos mil. En dichos períodos históricos, nuestro país ha sufrido una multiplicidad de transformaciones políticas, económicas y culturales que han marcado el tránsito de la dictadura hacia los distintos modelos de democratización.
Dichos modelos, a través de su realización en el tiempo, han tomado una dirección cada vez mas inclinada por políticas que favorecen las estrategias de borradura y las nuevas formas de colonialismo (consecuencia de los procesos de globalización), generando así una imagen cosmético -virtual de Chile, que lo muestra al extranjero como un país prototipo en Latinoamérica, de orden, progreso económico, social y cultural.
Esta coyuntura se ha convertido progresivamente en una red de distribución de los discursos poder, y por ende, han constituido en el Chile de hoy una serie de agenciamientos que han permitido a las diversas instituciones administrar sus capitales estéticos y escriturales. La finalidad es ejercer la "borradura" de todo un conjunto de gestiones culturales autónomas desarrolladas en los ochenta y los noventa; gestiones que, servilmente, se constituyeron para los gobiernos democráticos en un fértil territorio de pruebas para la definición de sus actuales estrategias de planificación y difusión cultural.
Este trabajo realizado con el guante blanco de los ideales de civilidad post dictadura, ha tenido como costo cultural, por una parte, el ocultamiento de un proceso histórico-social altamente productivo (estética y escrituralmente) que, por ser parte de un pasado conflictivo ha sido relegado al olvido y, por otra, la fabricación rápida de una escena vanguardista de producción visual caracterizada por sus inconsistentes lazos con el pasado inmediato que las precede.
Esta instancia de exclusión ha generado nuevamente prácticas de creación que se plantean una relación más crítica con el cuerpo institucional. En la actualidad se han retomado formas de trabajo alternativas, configurando progresivamente un corpus de obra significativo que merece ser conocido en el exterior.
Debido a este contexto problemático de fondo, pensar una Curatoria que, sin tener una pretensión historicista, sí se plantea una revisión crítica del acontecer de las artes visuales contingentes en nuestro país; se constituye en un desafío que nos obliga a evaluar formas de producción visual que sin tener hilos conductores fácilmente reconocibles (debido tanto a su diversidad temática como a sus utilizaciones de lenguaje), construyen una discursividad que refleja de manera más directa la realidad simbólica que nos envuelve.
Planteamiento curatorial:
EN-CAJA-DURA se define como un proyecto curatorial que, si bien está articulado sobre un devenir histórico, no pretende constituirse en una muestra antológica que ilustre pasivamente el contexto social antes mencionado. Su intencionalidad está orientada más hacia la puesta en escena de producciones visuales que desde un borde no institucional y por ende "no historicista", han dado cuenta de un diálogo -extendido en el tiempo- con los diversos cambios de orientación cultural.
Nuestros criterios en la elección de los artistas y sus obras han privilegiado la densidad crítica y la capacidad de reflejar transversalmente la situacionalidad que, a modo de marco de referencia, determina dichas producciones.
Bajo el concepto de producciones alternativas hemos deseado fijar un itinerario simbólico que abarca las décadas del ochenta, del noventa y los inicios del dos mil. Estos períodos se pueden definir a partir de tres momentos: resistencia, transición y globalidad, los cuales, a su vez, se corresponden con tres instancias políticas precisas: fin de la dictadura, ingreso a la inquietud democrática y consolidación de un sistema de libre mercado.
En dichos momentos el devenir estético ha evolucionado desde obras de carácter contestatario (resistencia) hacia trabajos que, sin dejar de tener un potencial critico, orientaron su búsqueda hacia un cuestionamiento radical de los lenguajes visuales (transición) para finalmente, llegar a las producciones actuales surgidas en estrecha relación con los mass-media y con el fenómeno de la información (globalidad), generando así una visualidad marcadamente híbrida y ecléctica.
Las nociones de "resistencia, transición, globalidad" nos han parecido pertinentes, en cuanto definen las diversas formas en que el arte desarrolla un diálogo dialéctico con un contexto social en constante movimiento.
Descripción de las obras:
Las obras elegidas han sido pensadas como una síntesis de las distintas disciplinas y de sus desplazamientos críticos, con el fin de lograr una visión ampliada de nuestra producción visual.
La muestra estará integrada por trabajos de pintura, escultura, video, fotografía, instalaciones y acciones in situ que, aunque se originan a través de matrices genéricas, ponen en escena su quiebre y fractura.
Artistas por sala:
Vespucio:
Juan Castillo – Consuelo Lewin – Ricardo Villarroel – Antonia Cruz
VHB – Mauricio Bravo – Paula Rodríguez – Sebastián Silvat
Eva Maria Celin (Colombia) – Rosell Meseguer (España) – Carlos Osorio – Carlos Montes de Oca – Pablo Adarme (Colombia) – Federico Zukerfeld (Argentina) – Klaudia Kemper – José Tolosa – YISA – Aldo Garrido – Ana Maria Fell – Patricio Voguel
Sala Vespucio Norte:
Proyecto CUBO – Antonia Cruz – Klaudia Kemper
VHB – Gonzalo Rabanal – YISA – José Tolosa – Nicolás Raveau (CUBO)
Sergio Cerón – Arturo Valderas – Guillermo Blamey – Paula Rodríguez
Enrique Flores – Sebastián García Huidobro.
Sala Trébol:
Artistas invitados de Concepción (ANIMITA) Carlos Valle con curatoría para proyecto CUBO – Carlos Montes de Oca – VHB – José Tolosa – Paula Rodríguez.
viernes, agosto 08, 2008
Casi Nada de Sofia Mourato
Casi Nada
Ana Sofía Mourato
7 de agosto al 21 de septiembre de 2008
La artista portuguesa Ana Sofía Mourato, residente temporalmente en nuestro país, expone por primera vez en Chile, en la Sala del Museo Nacional de Bellas Artes en el Mall Plaza Norte, presentando una selección reciente sobre fotografía y video, titulada “Casi Nada”.
La muestra se compone de un video titulado Brasil y veintiuna fotografías, pertenecientes a la Serie Barcelona y Groningen, realizadas durante sus residencias en Brasil, España y Holanda, respectivamente.
Ana Mourato asimila parte importante de la tradición fotográfica, pero con una obstinación distinta, capturar la luz y sólo a través de ella, establecer una relación con lo real. Para lograr arrebatar ese intervalo se requiere de una contemplación exhaustiva y paciente, a la espera del instante preciso, para atrapar el objeto en su propia escena. La eficacia del dispositivo fotográfico es el resultado de la relación entre observación, contemplación y obturación. No es simplemente el registro, sino la disposición sensible para atrapar la luz.
Su obra transcurre en una temporalidad, a veces inconsciente, a ratos imperceptible, predominando la rutina, el ir y venir; pero en esa sucesión de acontecimientos ocurren accidentes breves encuentros, circunstancias inesperadas que obligan a detenerse más de la cuenta. Ese instante fugaz, de extraña condensación, abre una ventana mental, permitiendo ver más allá de lo habitual.
En la obra de Ana Sofía se debe dejar lo accesorio para concentrar la visión, recepcionando aquellas formas simples de impetuosas geometrías y reducida a su propia formalidad. No es el espacio del murmullo ni de la sombra, pero sí lo es, del silencio y la luz, ahora centradas en sí mismas, alejada de cualquier perturbación insidiosa.
Ana Sofía está siempre al acecho, busca tramas, ángulos y esquinas para contener aunque sea en una fracción de segundo, la travesía lumínica, evidenciando la dimensión física y corpórea de la luz. En este sentido, su obra es parental y cercana a las investigaciones sobre los cambios en la percepción luminosa de la obra de James Turrel; el estudio del comportamiento de la luz en las formas matemáticas y mecánicas de Hiroshi Sugimoto; las indagaciones sobre la percepción sensorial, las leyes de la física y su relación con los fenómenos naturales de Olafur Eliasson. Mourato, a través de su obra, constata la transformación del espacio físico y sensorial; la luz es un elemento revelador y modificador de los atributos y cualidades de la imagen, especialmente la forma y el espacio que la contiene, incluso apropiándose de la propia consistencia de los cuerpos, proponiendo una lectura ajustada de su textura y color.
Posiblemente, el deseo más íntimo de Ana Sofía Mourato sea alumbrar aquellos lugares más refractarios a la contemplación, el espacio vertiginoso de la urbe. Esta vez, el transeúnte o el público visitante, se verá obligado a detener la mirada para comenzar a ver de nuevo.
(Fragmentos del texto “a des-tiempo” de Patricio M. Zárate publicado en el catálogo “Casi Nada. Sofía Mourato”)
Agosto, 2008
Informaciones: Loa Bascuñan, José Guerreo. Sala Norte MNBA, 721 21 05 .
Ana Sofía Mourato
7 de agosto al 21 de septiembre de 2008
La artista portuguesa Ana Sofía Mourato, residente temporalmente en nuestro país, expone por primera vez en Chile, en la Sala del Museo Nacional de Bellas Artes en el Mall Plaza Norte, presentando una selección reciente sobre fotografía y video, titulada “Casi Nada”.
La muestra se compone de un video titulado Brasil y veintiuna fotografías, pertenecientes a la Serie Barcelona y Groningen, realizadas durante sus residencias en Brasil, España y Holanda, respectivamente.
Ana Mourato asimila parte importante de la tradición fotográfica, pero con una obstinación distinta, capturar la luz y sólo a través de ella, establecer una relación con lo real. Para lograr arrebatar ese intervalo se requiere de una contemplación exhaustiva y paciente, a la espera del instante preciso, para atrapar el objeto en su propia escena. La eficacia del dispositivo fotográfico es el resultado de la relación entre observación, contemplación y obturación. No es simplemente el registro, sino la disposición sensible para atrapar la luz.
Su obra transcurre en una temporalidad, a veces inconsciente, a ratos imperceptible, predominando la rutina, el ir y venir; pero en esa sucesión de acontecimientos ocurren accidentes breves encuentros, circunstancias inesperadas que obligan a detenerse más de la cuenta. Ese instante fugaz, de extraña condensación, abre una ventana mental, permitiendo ver más allá de lo habitual.
En la obra de Ana Sofía se debe dejar lo accesorio para concentrar la visión, recepcionando aquellas formas simples de impetuosas geometrías y reducida a su propia formalidad. No es el espacio del murmullo ni de la sombra, pero sí lo es, del silencio y la luz, ahora centradas en sí mismas, alejada de cualquier perturbación insidiosa.
Ana Sofía está siempre al acecho, busca tramas, ángulos y esquinas para contener aunque sea en una fracción de segundo, la travesía lumínica, evidenciando la dimensión física y corpórea de la luz. En este sentido, su obra es parental y cercana a las investigaciones sobre los cambios en la percepción luminosa de la obra de James Turrel; el estudio del comportamiento de la luz en las formas matemáticas y mecánicas de Hiroshi Sugimoto; las indagaciones sobre la percepción sensorial, las leyes de la física y su relación con los fenómenos naturales de Olafur Eliasson. Mourato, a través de su obra, constata la transformación del espacio físico y sensorial; la luz es un elemento revelador y modificador de los atributos y cualidades de la imagen, especialmente la forma y el espacio que la contiene, incluso apropiándose de la propia consistencia de los cuerpos, proponiendo una lectura ajustada de su textura y color.
Posiblemente, el deseo más íntimo de Ana Sofía Mourato sea alumbrar aquellos lugares más refractarios a la contemplación, el espacio vertiginoso de la urbe. Esta vez, el transeúnte o el público visitante, se verá obligado a detener la mirada para comenzar a ver de nuevo.
(Fragmentos del texto “a des-tiempo” de Patricio M. Zárate publicado en el catálogo “Casi Nada. Sofía Mourato”)
Agosto, 2008
Informaciones: Loa Bascuñan, José Guerreo. Sala Norte MNBA, 721 21 05 .
viernes, mayo 02, 2008
Taller Art Atack!!!!!
TALLER ART ATTACK (wart!!)
EL taller gratuito, especialmente dirigido a niños desde los 5 años hasta los 13 años, se desarrollará todos los sábados en la sala MNBA del Mall Plaza Norte 
Recreando algunas de las ideas del conocido programa televisivo, " ART ATTACK". Es que en Sala Norte se desarrollara un taller enfocado a niños desde los 5 años, donde podrán utilizar toda su imaginación e ingenio creando grandes manualidades artísticas, con materiales simples y mucha creatividad.
Recuerden que la creatividad no tiene límites y que todos tenemos dentro algo de artistas.
Profesores:
José Guerrero, Artista Visual, Licenciado en Artes
Begoña Mata, Artista Visual, Licenciada en Artes. (T)
Horarios:
sábado de 17:00 a 18:00 hrs
Materiales:
Los niños deben llevar hojas de block, cartones, acrílicos (rojo, azul, amarillo, verde, blanco y negro), pinceles, cartulinas de colores, tijeras, lápiz grafito, goma de borrar, pegamento blanco, bolsas plásticas, cinta adhesiva, algodón, papel de cocina o higiénico, entre otros materiales.
Los niños deben inscribirse previamente, y ahí se les informará las actividades de cada sábado y los materiales que deberán traer para desarrollar cada trabajo
SEMINARIO
Área Educativa MNBA:
Seminario - Taller para profesores
Naturaleza muerta. La comida en el arte
En el contexto del Ciclo Temático Naturaleza muerta, la comida en el arte, desarrollado por el Área Educativa del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), se llevará a cabo durante mayo y junio la primera versión de los Seminarios-Talleres especialmente diseñados para profesores de artes visuales, tanto de colegios privados como estatales. Las inscripciones se podrán realizar vía correo electrónico entre el 14 de abril y el 16 de mayo.
Esta instancia tendrá como objetivos, acercar a los docentes al Museo y a su colección; establecer vínculos y crear una relación directa entre ellos y el Área Educativa; generar discusión e incentivar el desarrollo de una mirada crítica en torno a las artes visuales; y profundizar sus conocimientos de historia del arte, estética y arte contemporáneo.
Para propiciar el diálogo y permitir el establecimiento de una mayor cercanía entre los docentes y el Área Educativa, cada Seminario-Taller tendrá un cupo máximo de 30 participantes; repitiéndose dos veces dentro de cada Ciclo Temático. Se realizarán tres Ciclos Temáticos a lo largo del año, abarcando un total de 180 participantes. De los 30 cupos de cada Seminario-Taller, 15 se convocarán directamente por el Área Educativa, correspondiendo a aquellos profesores que han manifestado interés en incorporar al MNBA como parte de sus programas. Para los otros 15 cupos las inscripciones estarán abiertas a partir del 14 de abril.
En este primer Seminario-Taller Naturaleza muerta, la comida en el arte, se trabajará a partir de este género artístico, abarcando la historia del arte internacional y nacional, así como la escena plástica chilena contemporánea. Conjuntamente, se llevarán a cabo ejercicios que relacionen las obras de la colección permanente del MNBA con la malla curricular de Artes Visuales, de acuerdo a los Planes y Programas de MINEDUC.
Las inscripciones estarán abiertas entre el 14 de abril y el 16 de mayo, se realizarán enviando la ficha de inscripción, que será recibida sólo por vía electrónica en el correo: area.educativa@mnba.cl
Ficha técnica
Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes
Fecha: Alternativa 1: 24 y 31 de mayo
Alternativa 2: 21 y 28 de junio
Horario: sábado de 09:15 a 13:30 horas
Valor: $15.000
Cupos: 30
Inscripciones: 14 de abril al 16 de mayo
Destinado a: profesores de artes visuales de nivel escolar
Duración: 2 mañanas de sábado (10 horas pedagógicas)
Certificación: se entregará un certificado de asistencia sobre el 80%
Informaciones
Área Educativa Museo Nacional de Bellas Artes
Teléfono (56-2) 638 4060
Correo electrónico area.educativa@mnba.cl
Exposición
EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA
GEOGRAFÍA DEL TRABAJO
Una nueva mirada de seis destacados fotógrafos sobre el mundo de los trabajadores en el Chile del Bicentenario
- Paz Errázuriz, Luis Poirot, Jorge Aceituno junto a tres jóvenes fotógrafos, Justine Graham, Cristián Ureta y Jorge Prat, viajaron a distintas zonas de Chile a retratar a 50 trabajadores de diferentes zonas, relatando a través de sus imágenes, la realidad actual del mundo laboral en Chile.
Este homenaje a los trabajadores, organizado por la Asociación Chilena de Seguridad, se presentará en un libro y en una exposición en el Hall Central del Museo Nacional de Bellas Artes, el próximo martes 6 de mayo a las 19:30 hrs. para luego itinerar por Chile.
Al cumplir cincuenta años, la Asociación Chilena de Seguridad ha querido rendir un homenaje a los trabajadores de Chile que, desde sus diferentes ámbitos, contribuyen con su esfuerzo diario al desarrollo del país. Se invitó a seis fotógrafos quienes, desde su propia mirada y contando con plena libertad creativa, viajaron durante los últimos seis meses a lo largo de Chile para capturar la historia de cincuenta trabajadores. Desde la experiencia de sus trayectorias; Paz Errázuriz, Luis Poirot y Jorge Aceituno, y desde la nueva visión de Justine Graham, Cristián Ureta y Jorge Prat, se articuló una verdadera GEOGRAFÍA DEL TRABAJO que da cuenta de la diversidad de labores, entornos y especialidades que coexisten actualmente, construyendo un registro inédito de la realidad laboral contemporánea del país cuando estamos a poco tiempo de celebrar el Bicentenario.
La marca del sol en el rostro del operador de sondaje de una mina de sal capturado por Paz Errázuriz; la impronta del sargento primero encargado del faro Punta Tortuga visto por Cristián Ureta; la magia de la luz que maneja el iluminador de Canal 13, retratado por Jorge Prat; el silencio que rodea a la encargada de aseo del Cementerio General, desde la visión de Justine Graham; la imponente presencia de un calderero en un astillero en Valdivia, registrado por Jorge Aceituno; y la inmensidad de la Patagonia en que se mueve un ovejero, según la mirada de Luis Poirot, son parte de las más de 200 fotografías que conforman el proyecto GEOGRAFÍA DEL TRABAJO que se reunirá en un libro de lujo y en una gran exposición que inicia su itinerario por Chile en el Hall Central del Museo Nacional de Bellas Artes el próximo 6 de mayo, sumándose así a las celebraciones del Día del Trabajo.
“Son fotografías de 50 trabajadores, cada uno en la diversidad de su quehacer, que se unen. ¿Cómo? A través de sólo un concepto: son héroes del progreso personal de nuestro país actual. Es así como este libro se convierte en un poema épico, pues establece la memoria contemporánea de todo un pueblo bajo el techo del arte fotográfico”, escribe al artista Mario Toral en el prólogo del libro.
Este proyecto se enmarca dentro del programa Cultura y Trabajo que la Asociación Chilena de Seguridad viene desarrollando hace más de cuatro décadas en forma paralela a su labor de promoción de la seguridad en el trabajo. A través de este programa se ha invitado a los principales artistas nacionales a crear obras que han sido instaladas en los hospitales y centros de atención médica de la ACHS a lo largo de todo el país con el objetivo de alentar al trabajador y su familia en el proceso de recuperación. El programa suma actualmente una colección de 120 obras de gran formato y un museo virtual donde se reúne toda la colección (www.achs.cl).
GEOGRAFÍA DEL TRABAJO
Museo Nacional de Bellas Artes
Inauguración: martes 6 de mayo
Apertura al público: miércoles 7 de mayo
Cierre: domingo 1º de junio
D: Parque Forestal s/n
T.: 6322138
Horario: 10 a 19 hrs.
El proyecto Geografía del Trabajo cuenta con el patrocinio de la Comisión Bicentenario.
Fotógrafos: Paz Errázuriz (Norte Grande), Cristián Ureta (Norte), Jorge Prat (Región Metropolitana), Justine Graham (Centro), Jorge Aceituno (Sur), Luis Poirot (Extremo Sur).
Organización y edición general
Santiago, Abril de 2008
Departamento de Comunicaciones del Museo Nacional de Bellas Artes
Dirección: Parque Forestal s/n, Casilla 3209 Santiago. Sitio web: http://www.mnba.cl
Correo electrónico: angelica.perez@mnba.cl
ACTIVIDADES MNBA
EN LA COLECCIÓN PERMANENTE DEL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES SE PRESENTA LA EXPOSICIÓN DE GABINETE
MODERNIDAD EN LUIS VARGAS ROSAS
Luis Vargas Rosas y Henritte Petit en París. Luis Vargas Rosas. Boceto preparatorio. C. 1940.
· Con obras y archivos recientemente adquiridos por el Museo Nacional de Bellas Artes se presenta esta exposición de gabinete en la rotonda del Ala sur (2° piso) del Museo, en la cual se destaca la faceta más moderna de Luis Vargas Rosas.
La muestra comprende nueve dibujos de la serie Iglesia de San Francisco, tres óleos de los años ‘20, dos óleos abstractos, uno de 1934 y otro de los años ’40. También se exhibe una inédita y desconocida escultura de los años ‘20, tal vez la primera escultura abstracta realizada por un artista chileno a inicios de los años ‘20 en París. Complementan la muestra bocetos preparatorios de pinturas y esculturas, junto a fotografías del artista en París.
Luis Vargas Rosas (1897-1977) quien fuera Director del Museo Nacional de Bellas Artes entre 1946 y 1970, desarrolló una investigación visual que en esta exposición, propone su figura como un “precursor” de la abstracción en Chile. En esta rotonda se aprecia el gradual paso de la imagen figurativa, que podemos apreciar en sus primeras obras de los años ’20 (Techos de Puerto Montt) hasta lograr la “abstracción orgánica” en sus obras realizadas a partir de los años ‘30 y ‘40.
En los dos óleos figurativos, se observa la directa relación que hay entre su obra y la de Cezanne. Estas piezas formaron parte de la primera exposición del Grupo Montparnasse realizada el año 1923. Al frente, destacamos la pintura abstracta Sin título del año 1934 en la que se muestra una línea contorneada sobre un plano blanco, constituyéndose en una de las primeras obras abstractas realizadas en Chile. Una serie de bocetos preparatorios enfatizan la afinidad del artista con la teoría de la “abstracción orgánica” difundida por el pintor francés André Lothe y que se hace evidente en la serie de dibujos que muestran cómo el modelo visual es progresivamente reemplazado por fragmentos, movimientos de líneas rectas, curvas y planos de color dando como resultado una arquitectura dinámica y abstracta. Se destaca la serie de la Iglesia San Francisco en la cual se aprecia todo el proceso previo, cuyo resultado final es el impreso en un afiche.
Al interior de una vitrina apreciamos una inédita y desconocida escultura abstracta realizada durante los años ’20 y que fue elaborada a partir de un trozo de mármol encontrado en las calles de París junto a un par de bocetos de otros proyectos volumétricos. Al frente, algunas fotografías muestran al artista junto a su esposa Henriette Petit en una café parisino. Vargas Rosas fue el fundador y líder del Grupo Montparnasse y formó parte del Grupo Internacional Abstraction Creation, al que perteneció también Roberto Matta y Jackson Pollock (U.S.A.).
Santiago, abril de 2008
Depto. de Comunicaciones del MNBA. Dirección: Parque Forestal s/n, Casilla 3209 Santiago. Sitio web: http://www.mnba.cl Correo electrónico: angelica.perez@mnba.cl
jueves, abril 24, 2008
Taller Art Atack
TALLER ART ATTACK (wart!!)
EL taller gratuito, especialmente dirigido a niños desde los 5 años hasta los 13 años, se desarrollará todos los sábados en la sala MNBA del Mall Plaza Norte
Recreando algunas de las ideas del conocido programa televisivo, " ART ATTACK". Es que en Sala Norte se desarrollara un taller enfocado a niños desde los 5 años, donde podrán utilizar toda su imaginación e ingenio creando grandes manualidades artísticas, con materiales simples y mucha creatividad.
Recuerden que la creatividad no tiene límites y que todos tenemos dentro algo de artistas.
Profesores:
José Guerrero, Artista Visual, Licenciado en Artes
Begoña Mata, Artista Visual, Licenciada en Artes. (T)
Horarios:
sábado de 17:00 a 18:00 hrs
Materiales:
Los niños deben llevar hojas de block, cartones, acrílicos (rojo, azul, amarillo, verde, blanco y negro), pinceles, cartulinas de colores, tijeras, lápiz grafito, goma de borrar, pegamento blanco, bolsas plásticas, cinta adhesiva, algodón, papel de cocina o higiénico, entre otros materiales.
Los niños deben inscribirse previamente, y ahí se les informará las actividades de cada sábado y los materiales que deberán traer para desarrollar cada trabajo
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
